«El Hombre del Norte» es toda una apoteosis metafórica sobre el poder, la venganza y la violencia

El director Robert Eggers completa lo que parece ser una trilogía basada en lo fantástico y lo histórico. Con una Islandia convertida en escenario de condenas eternas, maldiciones y castigo, el film en toda una rareza en el cine actual.

El Hombre del Norte, de Robert Eggers, tiene la curiosa responsabilidad de apuntalar la carrera de un director que hasta ahora ha sorprendido por su talento. Y la película lo hace y deslumbra por su escala épica. En la Islandia del siglo X, un hombre buscará venganza. Y Eggers ha creado un universo con tintes históricos impecables para contar ese recorrido. Desde la concepción del poder como herencia hasta el miedo. El argumento es una combinación entre los misterios de la mitología nórdica con una humanidad profunda que asombra por su precisión. Falibles, violentos, ambiguos, temibles. Todos los personajes en la película tienen un poderoso acento relacionado con arquetipos y estereotipos primitivos. Pero a la vez, es un relato con cuerpo propio que sostiene y apuntala la idea de lo extraordinario para Eggers. 

Si en The Witch, el director narró una historia desconcertante que descubre sus secretos para su tramo final, en El Hombre del Norte lo enigmático forma parte de todo. De la misma manera que en El Faro, el realizador juega a la desorientación para construir una historia con pinceladas de leyenda y mitos tribales. El argumento es un recorrido a través de un camino del héroe retorcido y pesaroso, que asombra por su dureza. La recreación sobre la época de Eggers añade belleza, brutalidad y brillo a una narración tan poderosa como desconcertante. Una y otra vez, la película muestra que para Eggers el tiempo, el transcurrir, la oscuridad de los misterios y el dolor humano son la misma cosa. También, una forma de construir un relato conjunto que va de un lado a otro para mostrar todas las posibilidades de la mirada del film sobre lo asombroso. 

Eggers, que en su corta carrera cinematográfica se ha distinguido por su elocuencia, llega con El Hombre del Norte a una nueva dimensión. Con una ambición que roza la audacia experimental, la que parece ser la película que cierra una extraña trilogía sobre los horrores y maravilla de lo oculto, es tan abrumadora como monstruosa. Eso, a pesar de que el mismo Eggers declaró hace poco, que debió trabajar en edición y crear una versión “más comprensible” y menos onírica del montaje final.

En El Hombre del Norte, Eggers muestra con la misma pulcritud y pulso extraordinario, paisajes de una belleza desconcertante cabezas decapitadas, y cabellos desmembrados a fuerza bruta. El metraje no tiene términos medios, tampoco se prodiga en explicaciones. Y aunque es el trabajo más “terrenal” de Eggers es también el más monumental. El director logró crear la sensación de presente continuo que define el imaginario nórdico.

La percepción que todo ocurre a la vez y en medio de la influencia inevitable del destino. Sus personajes recorren el camino predestinado para cada uno de ellos, con la aterradora convicción de hilos que le enlazan con el poder y el miedo. Poco a poco, la narración se hace dolorosa, tan cruda como para descorrer un velo inevitable de lúgubre asombro.

Para el director, la violencia es un emblema. Y cada una de las criaturas que las sufren o la infringe, es un símbolo de algo mayor. En esta ocasión, Eggers no se limitó a contar la historia de Amleth, antecedente del Hamlet de Shakespeare, sino a crear un mundo a los extremos. Un mundo primitivo inquietante, enrarecido, que sostiene un tipo de crueldad que rara vez el cine muestra. O no al menos, en esta inclasificable mezcla de belleza y refinada crueldad.

De la misma manera que en El Faro, los lúgubres placeres de lo sobrenatural se muestran en delicadas imágenes desgarradoras. El Hombre del Norte alcanza una dimensión de lo inquietante cada vez más retorcido. Eso, mientras la puesta en escena hace gala de un detalle histórico minucioso y la iluminación cuidadosa, en un apunte eficaz a la narración. La película es una cuidadosa reinvención del mito nórdico del hijo perdido y la búsqueda del propósito, en una audacia argumental a gran escala.

Tres veces el horror de la oscuridad

El Hombre del Norte está basada en una de las leyendas más conocidas, repetidas y tergiversadas del mundo nórdico. Cuenta la tragedia de un príncipe, testigo de la muerte de su padre, la ejecución de los que le apoyaban y el secuestro de su madre. Amleth (Alexander Skarsgard), logra escapar y se hace adulto lejos de todo lo que conoció en su niñez. Un hombre brutal, sin piedad e incapaz de sentir nada más que odio. 

Pero el destino le persigue. Todo el film se extiende a través de un solo momento en el tiempo. Se enlaza con la idea de la búsqueda del objetivo primordial y la unión inevitable con el pasado y el futuro. Eggers escogió un espacio atemporal que sostiene la historia desde un estrato subyacente. La travesía de Amleth transcurre en pantalla, pero también, la de los dioses y diosas que se manifiestan en escenas que desgarran la realidad. El guion, escrito por el propio director junto al escritor islandés Sjón, narra a dos voces una historia cada vez más brutal.

Para cuando el viaje está a punto de concluir, Amleth ha descubierto el motivo que le llevó a través del mar, la tierra y las estepas. Y en la soledad de esa última mirada a su vida, encuentra no solo una revelación prodigiosa. A la vez, logra vincular su odio con algo más simple que el rencor. Eggers, que deslumbró a la audiencia con brujas, muestra a un guerrero que sueña con palacios celestiales en el momento de la expiación los horrores. La historia se ha contado, las brujas invocaron al viento y al final, El Hombre del Norte es una apoteosis metafórica sobre el poder. Un mensaje tan poderoso que resuena en la pantalla como la cabalgata de una Valquiria.

Los Oscar de 2022 tendrán no uno, sino tres presentadores

La 94.ª edición de los Premios Oscar apuesta por un trío de presentadores para amenizar la velada, aunque todavía no se han decantado por nadie.

Desde la 90.ª ceremonia de entrega de los Oscar, la gran fiesta del cine no ha tenido anfitrión en el escenario para conducir la gala.

La Academia apostó por un formato más minimalista en el que solo salían al escenario los presentadores que entregarían los premios y los artistas que interpretarían los temas nominados a mejor canción.

Pero los tiempos cambian, y la Academia ha decidido probar de nuevo la fórmula de contar con una gala presentada por un anfitrión, bueno tres.

Según recoge The Hollywood Reporter, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas quiere que un trío de estrellas conduzcan la gala el próximo 27 de marzo de 2022.

Las fuentes que le han brindado la información a THR informan de que no hay todavía nadie confirmado, aunque Lin-Manuel Miranda dijo recientemente que rechazó ser anfitrión en la gala.

Algunos de los nombres que se barajan para la ceremonia son Tina Fey, Amy Poehler y Maya Rudolph, aunque otro trío con muchas papeletas son los protagonistas de Solo asesinatos en el edificioSteve Martin, Martin Short y Selena Gomez.

El hecho de que la gala se retransmita en ABC (propiedad de Disney) en Estados Unidos le da muchas papeletas al trío de ser el elegido. Además, Steve Martin ya tiene experiencia en el escenario del Dolby Theatre.

Hace unas semanas sonaba el nombre de Tom Holland para la ceremonia, y en este formato se podría pensar en él, Zendaya y Jacob Batalon, aunque parece harto improbable.

La idea es que los anfitriones vayan alternándose cada hora de la ceremonia, aportando variedad y no quemando al mismo anfitrión durante la siempre extensa entrega de premios.

En cualquier caso, no faltará demasiado para que los nombres de los anfitriones salgan a la luz, puesto que queda poco más de un mes para la gala.

La lista de nominados a los Oscar de 2022 salió esta semana, generando tanto debate y polémica como siempre, no vayamos a perder las viejas costumbres.

Fuente: Hobbyconsolas.com

Crítica de El callejón de las almas perdidas

El nuevo proyecto del apasionado Guillermo del Toro

Crítica de El callejón de las almas perdidas (Nightmare Alley), la nueva película dirigida y coescrita por Guillermo del Toro y su esposa, Kim Morgan. En salas a partir del 21 de enero de 2022.

Hay películas a las que, por contradictorio que pueda sonar, les viene mal el exceso de pasión de sus artífices. Algo así le ha sucedido a nuestro querido Guillermo del Toro (La forma del agua) en El callejón de las almas perdidas, una película que dura dos horas y media y relata el descenso a los infiernos de un personaje condenado desde el primer fotograma de la película.

De alguna manera, con esta nueva adaptación de la novela de William Lindsay Gresham de 1946, se lanza una reflexión sobre las «profecías autocumplidas» y por tanto, sobre el determinismo. Pero por el camino, del Toro no ha querido renunciar a nada, recreándose sobremanera en los increíbles decorados creados ex profeso para la película.

El resultado es un metraje muy largo y también muy descompensado, con un prólogo excesivo y una evolución de los personajes abrupta en la mayoría de los casos, a pesar del tiempo que se toma la película para desarrollar la historia.

Dos problemas principales, por tanto: el guión y el montaje, pero a los que hay que añadir otro más… la elección de Bradley Cooper como protagonista, rodeado de intérpretes secundarios que se lo comen con patatas.

¿Quiere decir esto que El callejón de las almas perdidas es una mala película? Ni por asomo. Del Toro desarrolla, como decíamos al comienzo, todas sus obsesiones como las del mundo del circo ambulante, los teatros de variedades, los supuestos espiritistas, los números de mentalismo, contorsionismo y, sobre todo, la manipulación como forma moralmente reprobable de ganarse la vida.

Todo eso se plasma en un montón de sets de rodaje fabulosos, imaginativos y en los que hay muchísima artesanía, además de referencias cinematográficas ya que lanzan llamadas a otras obras previas de cineastas como Hitchcock (no en vano, a partir del segundo tercio de la película, estamos ante una película fatalista de puro cine negro) e incluso autorreferencias (El espinazo del diablo).

La película comienza presentando al protagonista, Stanton Carlisle, un hombre de oscuro pasado que se une de forma fortuita a un circo. En ese contexto conocerá a la espiritista Zeena y a su marido Pete que le enseñarán los entresijos del negocio así como a actuar. Pronto quedará prendado de la joven e ingenua Molly con quien pasado el tiempo decidirá huir para montar su propio espectáculo.

Cosechando ya un gran éxito, la pareja encontrará nuevos problemas cuando se cruce en su camino la enigmática terapeuta Lilith, una inteligente y bellísima mujer que tentará a Stanton y con quien emprenderá un arriesgado negocio para timar a acaudalados empresarios de la élite neoyorquina atrapados en su pasado.

Hasta aquí podemos leer para no desvelar el quid de la película, que, todo hay que decirlo, se vuelve más y más predecible a medida que pasan los minutos, lo que hace que el clímax llegue ya sin la fuerza con la que debería impactar en el espectador.

Uno de sus puntos fuertes es el de contar con una extensa y variada galería de personajes a los que dan vida un montón de intérpretes secundarios carismáticos.

Entre ellos: Toni Colette, Rooney Mara, Willem Dafoe, David Strathairn, Ron Perlman y la magnética, seductora (y aquí excesivamente coreografiada) Cate Blanchett como la gran femme fatale que le hace morder la manzana a nuestro desventurado Stan.

Tanto es así que pronto quedan de manifiesto las carencias interpretativas de Bradley Cooper, a quien el papel le viene muy grande… Y eso que se esfuerza, y mucho, para mostrar las contradicciones de su personaje.

Da la sensación de que El callejón de las almas perdidas desarrolla dos historias que habrían merecido películas diferenciadas o, al menos, una integración más orgánica con un montaje más selectivo y dinámico: del prólogo, que se convierte en el primer tercio de la cinta, no solo saldría un largo independiente sino también varios spin-offs de los personajes que resultarían de lo más jugosos.

Lo que está más que claro con solo ver las imágenes que os ofrecemos en las galerías de fotos de esta crítica es que la belleza de la película es descomunal, con una puesta en escena fastuosa, una calidad en la dirección artística exquisita y una fotografía que es puro deleite.

En la pantalla se suceden fotogramas que son dignos de ser enmarcados así que, aunque no estemos ante el mejor trabajo de los últimos tiempos del maestro Guillermo del Toro, hay motivos para apreciar su obra en pantalla grande y disfrutar de los atractivos de esta gran película… que se habría beneficiado de un montaje menos generoso, pero que no deja se ser buen cine.

Fuentes: Hobbyconsolas.com Raquel Hernández Luján

Marc Forster dirigirá a Tom Hanks en el remake de ‘Un hombre llamado Ove’

Justo después del estreno de la exitosa comedia sueca ‘Un hombre llamado Ove‘ comenzaron los rumores respecto a su posible remake en Hollywood. Ya en 2017 se dijo que Tom Hanks protagonizaría el film, y ahora desde Deadline avanzan que el director de ‘Guerra Mundial Z‘, Marc Forster, se hará cargo de su dirección.

La historia se centra en Ove, un tipo que no es el típico vecino con el que te apetece cruzarte en el barrio. Es un cascarrabias, un pesado que insiste hasta la exageración en mantener el orden y la disciplina, un casi sesentón solitario y resentido a quien el destino ha arrebatado demasiadas cosas. Sin embargo, en la vida de Ove algo está a punto de cambiar. Una serie de circunstancias fortuitas van devolviéndole poco a poco la fe en el género humano. Y, al mismo tiempo, las personas que le rodean comienzan a comprender que su barrio no sería el mismo sin el gruñón de Ove. Sería un lugar más frío, menos solidario y, aunque parezca mentira, también mucho menos divertido… porque, al final, todo el mundo quiere a Ove.

Basada en el best-seller de Fredrik Backman, Hannes Holm fue el director de esta película que obtuvo dos nominaciones de la Academia y que se convirtió en la película de lengua extranjera de mayor recaudación en los Estados Unidos en 2016.

La nueva película contará con un guion de David Magee (quien ya trabajó con Forster en ‘Descubriendo Nunca Jamás‘), en un rodaje que tendrá lugar este mismo año. Hanks producirá la película junto con su socio Gary Goetzman para Playtone y Rita Wilson y Fredrik Wikstrom Nicastro de SF Studios.

Esta es la escena más cara en la historia del cine

Desde algunas de las películas de la franquicia ‘The Matrix’ hasta clásicos del cine que, si se filmaran en la actualidad, costarían una enorme cantidad de dinero.

Pocas áreas de la industria del entretenimiento requieren más dinero que el cine; al menos el cine más comercial, repleto de espectacularidad, efectos especiales, explosiones, y múltiples recursos técnicos para dar con una puesta en escena convincente y que responda al sentido narrativo del film y el director. En ese sentido, cada cierto tiempo aparece una escena que parece escalar hasta lo más alto de la lista de las secuencias más caras en la historia del cine. 

En este registro influyen muchos aspectos, desde la elección de los actores hasta los recursos utilizados durante la filmación. Dentro de los rumores más recientes, se especula con que Los Vengadores: Endgame (Anthony y Joe Russo, 2019) ofreció una de las escenas más caras del cine cuando filmaron el funeral de Tony Stark. Aunque no está revelada una cifra específica, la sospecha tiene que ver con la cantidad de actores integrados en vez de, por ejemplo, los efectos especiales.

Otras escenas, como el ataque de los japoneses a Pearl Harbor en la película homónima (Michael Bay, 2001), destacan dentro del registro de las escenas más caras del cine debido a la cantidad de recursos y efectos especiales utilizados para poder dimensionar todo aquello. Sin embargo, aunque esa escena costó más de cinco millones de dólares, sigue estando lejos del momento que comanda la lista de escenas más caras de la historia del cine. 

La escena más cara en la historia del cine

Cuando se revisan este tipo listados, se adecúan distintos montos. Cien dólares no representan lo mismo en la actualidad que hace cincuenta años, por ejemplo. Por tanto, se trata de dimensionar para aproximarse a un cálculo adecuado al momento. Con base en un trabajo de Screen Rant, la escena más cara en la historia del cine se filmó hace más de cincuenta años.

Se trata de la adaptación de la novela La guerra y la paz (King Vidor), estrenada en 1956. De acuerdo con Screen Rant, el presupuesto estimado de la película, para ese momento, fue de 100 millones de dólares. Si ese monto se lleva a cifras actuales, se trataría de una película superior a los 700 millones de dólares invertidos en producción.

Una parte importante de ese presupuesto fue destinado a la creación de La Batalla de Borodino. Este fue un acontecimiento que se produjo el 7 de septiembre de 1812. Dentro de la historia, este enfrentamiento es considerado como uno de los más sangrientos de las guerras napolitanas. En la adaptación cinematográfica, se calcula que participaron más de 100.000 extras. Hay que recordar un detalle no menor: el CGI, para aquel momento, no era una opción. Por tanto, se requería de la movilización de maquinaria, personal, escenografía, y un sinfín de detalles. 

La escena, dentro del film, dura más de una hora y, según estimaciones con base en el monto total adecuado a cifras actuales, podría haber costado 100 millones de dólares. 

Pero hay más…

Dentro de las producciones más recientes, destacan tres escenas caras del cine contemporáneo: 

escena más cara en la historia del cine
  • La escena de los cientos de Agentes Smith en The Matrix Reloaded (Lana Wachowski y Lilly Wachowski, 2003). Se estima que el costo total de escena está entre los 30 y los 40 millones de dólares. Para hacerla, fue necesario crear una tecnología particular, apoyada en CGI, y así recrear un combate en el que Neo enfrenta a una enorme cantidad de adversarios. 
  • La persecución en Roma durante 007: Spectre (Sam Mendes, 2015) es otra de esas escenas caras en el cine. Se estima que su costo total ronda los 15 millones de dólares. La película, nada más en autos que luego terminaron destruidos, invirtió 32 millones de dólares.
  • Parte de la película Transformers: El último caballero (Michael Bay, 2017) se filmó en Arizona en un depósito de coches. Se estima, de acuerdo con información de Screen Rant, que tardó 10 días en hacerse. Muchas explosiones, CGI y un total estimado en 15 millones de dólares.

Fuente: Hipertextual.com

‘COWBOY BEBOP’: Críticas al Gran éxito de Netflix

Muchos de los seguidores del mítico anime original en el que se inspira la serie están muy descontentos con algunas de las decisiones que han tomado los guionistas.

La nueva serie se estrenó el pasado día 19 de noviembre y está interpretada por John Cho, Mustafa Shakir y Daniella Pineda como Spike, Jet y Faye, los tripulantes de la nave con el nombre más cool del mundo: Bebop.

Llevábamos meses escuchando noticias sobre la adaptación con actores reales de ‘Cowboy Bebop’, el mítico anime que se emitió en Japón en 1998, y finalmente ya la tenemos aquí, se estrenó en Netflix hace solo unos días.

El anime original fue absolutamente rompedor porque presentaba una visión del futuro que cautivó a los espectadores de medio mundo. La humanidad ha abandonado ya la Tierra y se ha lanzado a colonizar el Sistema Solar. Pero esa realidad está lejos de ser una agradable fantasía utópica: se parece más bien al salvaje oeste y está llena de violencia, pobreza y delincuencia.

Tratando de sobrevivir en este complejo mundo tenemos a Spike Spiegel, un cazador de recompensas con un oscuro pasado como asesino a sueldo y una historia de amor truncada que dejó su corazón hecho pedazos y lo hizo apartarse de la sociedad.

En su aventura a bordo de una nave llamada Bebop, a Spike lo acompañan sus compañeros Jet Black y Faye Valentine. Además de un perro, Ein, y la hacker Ed.

En su momento, la serie animada enseguida generó todo un fenómeno de culto a su alrededor por lo innovador de su enfoque y la personalidad de sus personajes, de ahí el interés por parte de Netflix de adaptarla utilizando actores reales. Pero adaptar un anime tan respetado y recordado como ‘Cowboy Bebop’ no es precisamente una tarea fácil y rápidamente han comenzado a llegar las malas críticas.

Pero no todo es malo, muchos han alabado la actuación de John Cho, que interpreta a Spike. El actor ha sabido captar perfectamente la esencia del personaje. También se ha alabado la interpretación de Mustafa Shakir haciendo de Jet Black. La banda sonora, al igual que la de la serie de dibujos animados, es impresionante y qué decir del Ein, el perro corgi que acompaña a la tripulación. Pero hasta aquí llegan las críticas buenas.

La serie original fue rompedora porque aportaba un enfoque adulto, sensual, elegante y totalmente nuevo al anime de los 90, mezclando elementos del cine negro, la ciencia ficción, las pelis de artes marciales y las del salvaje oeste, todo con sutiles toques de humor y drama muy bien compensados y nada estereotípicos.

Lo que vemos en la adaptación de Netflix recuerda muy vagamente a todo eso. Parece como si el equipo detrás de la serie hubiera pasado mucho más tiempo intentando emular el estilo visual de la serie, algo que realmente está muy conseguido (el tráiler sin lugar a dudas es casi lo mejor de la misma), que en montar un argumento que se sostenga narrativamente.

Los críticos han coincidido en que algunos episodios se alargan de manera innecesaria, sufriendo lo que se ha venido en llamar el “Netflix bloat”, que podríamos traducir como “la hinchazón de Netflix”, que a veces manufactura temporadas enteras que podrían haberse resumido en un episodio.

También que, en un afán excesivo de agradar a los fans de la serie original, hay demasiados “huevos de pascua”, casi uno por cada toma. Y los huevos de pascua nos encantan, pero hay que saber dosificarlos.

Por otro lado, las «sorpresas», los giros de guión del argumento, se ven venir desde muchos minutos antes de que ocurran y, en fin, eso es de lo peor que se puede decir de una sorpresa.

Finalmente, los cambios que el equipo de guionistas han realizado en el final de la serie, para dejar la posibilidad de que haya una segunda temporada, que está casi asegurada, tampoco han dejado nada contentos ni a la crítica ni al público.

Por tanto, la nueva adaptación de ‘Cowboy Bebop’ se trata de un producto correcto pero que definitivamente no está a la altura de la serie original, presta mucha atención a los detalles visuales, pero falla a la hora de dar a los personajes y a la historia la profundidad que los hizo legendarios.

Fuente: Men’s Health ES

Series que deberías estar viendo , una por plataforma

¿Qué vemos hoy? Es una pregunta que nos hacemos todos varias veces por semana. Pero si estás leyendo esta revista esperamos que no sea porque no te faltan opciones, más bien todo lo contrario. Si estás un poco al día, sabrás que esto de tener una oferta de miles y miles de títulos en todas las plataformas para elegir hace difícil ver algo en concreto, más que por encontrar cosas que te gusten, por la absoluta avalancha de cosas que quieres ver. Ahora no hay vez que salgamos con los amigos, la familia o simplemente nos metamos a Twitter y nos enteremos de que hay una serie o una película maravillosa en uno u otro sitio.

Claro que siempre puede pensar que ese éxito que tienes que ver seguro porque, al menos para el que te lo recomienda, está claro que te encantará, no esté en tu plataforma de cabecera. Pero seamos sinceros, aunque el estado de nuestra cuenta corriente no sea el más sano, entre amigos, familia, pareja, compañeros de piso, etc, es raro que se nos escape el acceso a varias plataformas. Si hace unos años tener una o dos ya nos parecía extraordinario, ahora es normal contar con cuatro o cinco para elegir.

Esto nos lleva a recordar que cuando solo teníamos una ya nos costaba estar al día de lo que teníamos que ver en ella. Pues ahora que tenemos que llevar al día 5 o 6 los fenómenos nos pasan por encima. Quizás lo mejor sea respirar un poco, esperar al mes siguiente e ir viendo, cuando podamos, la que más nos apetezca o nos llame de todas. Sin embargo, siempre hay gente que quiere estar al día, pero es que es muy difícil.

Por eso hemos preparado esta lista de la serie que está más de moda del último mes en cada una de las plataformas, ya tengas NetflixHBO MaxPrime VideoMovistar+Disney+Apple TV+ o Filmin por supuesto, puede que incluso todas. Aquí tienes el bombazo del mes de cada una de ellas.

7 series, 7 plataformas de streaming fundamentales, estos son los títulos de los que se está hablando este mes, tengas la suscripción a la plataforma que tengas. Y, bueno, si las puedes ver todas, mejor que mejor.

La rueda del tiempo – Prime Video

Basada en las novelas de fantasía de Robert Jordan (de las cuales hay 14 volúmenes y una precuela, por lo que Bezos gastó sabiamente), ‘La rueda del tiempo’ se desarrolla en un mundo sin nombre donde la magia se conoce como el Poder Único. Los humanos que tienen el poder pueden manipular mágicamente la tierra, el fuego, el viento, el agua o el espíritu, y se les conoce como canalizadores.

La rueda del tiempo

Estreno: 19 de noviembre.

The Beatles: Get Back – Disney+

The Beatles – Get Back

Una miniserie única, con Peter Jackson a los mandos del montaje de las más de 55 horas de material audiovisual inédito que se grabó entre el 2 de enero y el 31 de enero de 1969, los días en los que los cuatro componentes del grupo original grabaron ‘Let it be’, su último disco antes de la separación. Lo curioso es que el disco se estrenó 18 meses después, en mayo de 1970, cuando Los Beatles ya se habían separado.

Estreno: 25 de noviembre.

Vida perfecta – Movistar+

Han pasado 6 meses desde que vimos por última vez a María, Cris, Esther y Gari en la habitación del hospital: María es madre pero la maternidad no la hace sentir como ella siempre había imaginado. Cris y Pablo deciden abrir su relación y superar obstáculos juntos, pero todo resulta más difícil de lo esperado. Esther, por su parte, está luchando contra su miedo a crecer y al compromiso. Tiene una novia, vive con ella y… ¿se casa?

Estreno: 19 de noviembre.

Todo lo otro – HBO Max

Las historias de un grupo de treintañeros madrileños atrapados en unas vidas que no son las que soñaban son el eje argumental de ‘Todo lo otro’, nueva serie escrita, dirigida y protagonizada por Abril Zamora.

Estreno: 26 de octubre.

Rumbo al infierno – Netflix

Hellbound

La trama arranca en la ciudad de Seúl. Todo parece en calma hasta que la oscuridad se apodera de todo a plena luz del día. Unos seres monstruosos están preparados para condenar a ciertas personas al infierno y las matarán con fuego. El caos y la incertidumbre llena todo, mientras Jung Jinsu, el líder de una organización religiosa llamada Nueva Verdad, avisa a la población de que los pecadores están en peligro. Un nuevo éxito surcoreano que ha logrado un 100% de críticas positivas en Rotten Tomatoes.

Estreno: 19 de noviembre.

The Shrink Next Door – Apple TV+

The Shrink Next Door

Inspirada en hechos reales, ‘The Shrink Next Door‘ cuenta la extraña relación entre el «psiquiatra de los famosos», el Dr. Isaac ‘Ike’ Herschkopf (Paul Rudd) y su paciente de muchos años Martin ‘Marty’ Markowitz (Will Ferrell). A lo largo de su extensa relación, el carismático Ike se va introduciendo poco a poco en la vida de Marty, llegando a mudarse a la casa de Marty en los Hamptons y convenciendo a Marty de que le nombre presidente de la empresa familiar.

Estreno: 12 de noviembre.

Fuente: Fotogramas.es

The Black Alien Project: 10 años de intervenciones quirúrgicas para convertirse en un alienígena

Conocemos la controvertida historia de Black Alien, un hombre cuyo objetivo es ‘convertirse’ en un alienígena a base de cirugía.

Que hay gente que rompe con las convenciones sociales no es nada nuevo, no son pocos los que llevan su vida un poco más allá a través de caminos de lo más rocambolescos.

Hace un tiempo, por ejemplo, conocíamos la historia del fan de Cráneo Rojo (Red Skull) que se sometía a intervenciones de cirugía para convertirse en el villano de Marvel.

Pero, ¿y si el objetivo es ‘todavía’ más ambicioso? ¿Y si alguien quiere convertirse en algo mucho más alejado de lo que sería un ser humano?

Un buen ejemplo lo encontramos en la controvertida figura de Black Alien, cuyo nombre real es Anthony Loffredo y que lleva dos años sometiéndose a cirugía para convertirse en un alienígena.

Este francés de 33 años anhela convertirse en un ser de más allá de nuestra atmósfera, y para ello ha recurrido en incontables ocasiones al quirófano, y las que le quedan.

La última intervención de Anthony Loffredo en su The Black Alien Project ha sido amputarse dos dedos en cada mano: anular y meñique.

Las operaciones, realizadas (algunas al menos) en México, incluyen también la amputación de las orejas y parte de la nariz y la deformación del cráneo para insertar protuberancias.

Loffredo recibe un sinfín de críticas por su proyecto, incluyendo muchas con tintes hostiles, insultos y amenazas.

Instagram ha retirado en varias ocasiones algunas de sus publicaciones en las que mostraba su mano con los dedos amputados.

Pese a todo, este francés sigue adelante, afirmando que ninguna crítica impedirá que, algún día, alcance su objetivo final.

En su canal de Instagram podéis encontrar multitud de fotografías del proceso que lleva hasta la fecha, y ciertamente ya empieza a parecer salido de un videojuego de Mass Effect (por ejemplo).

Fuente: Hobbyconsolas.com

Damon Albarn confirma el largometraje de Gorillaz para Netflix

Netflix recibirá una película de Gorillaz en la que por fin podremos ver a 2-D, Noodle, Murdoc Niccals y Russel Hobbs fuera de los videoclips.

Gorillaz es una banda virtual de música inglesa que nació en 1998 de la mano de Damon Albarn y Jamie Hewlett. Una de las características más representativas del grupo es la forma en la que vemos a sus integrantes, representados en los videoclips de Gorillaz como dibujos animados en 2D. Son 2-DNoodleMurdoc Niccals y Russel Hobbs, quienes componen esta variopinta banda.

El proyecto de Netflix de llevar a Gorillaz un paso más allá realizando una película animada va por buen camino, tal y como ha afirmado recientemente Damon Albarn en una entrevista con Apple Music: “Estoy en Netflix porque estamos haciendo un largometraje de Gorillaz con Netflix. Tenemos una sesión de escritura en Malibú esta tarde.

Es realmente emocionante hacer esto”, añadió Albarn: “Es algo que hemos querido hacer durante mucho tiempo. Honestamente, ha pasado por tantas encarnaciones… esto de Gorillaz haciendo una película…

Es la primera vez desde 2020 que recibimos nuevos detalles sobre esta película de Gorillaz, de la que se llevaba hablando un tiempo a raíz de unos contratos que Damon Albarn había empezado a firmar y unos guiones que había empezado a escribir. 

«Hacer una película animada que sea un poco abstracta es un riesgo bastante grande para un estudio de cine porque son muy caras«, le dijo Albarn a Radio.com. “Veo a mucha gente haciendo videos animados en estos días, pero no creo que realmente alcancen la calidad de los nuestros. Estamos más en el mundo de Studio Ghibli«.

A falta de algún detalle sobre su argumento a su animación, las declaraciones de Damon Albarn nos hacen pensar que como mínimo estaremos ante una película de excelente factura técnica, y por supuesto, con una gran banda sonora. Todavía falta una confirmación oficial por parte de Netflix, así como una fecha de estreno, pero esperamos conocer pronto estos datos.

Fuente: Hobbyconsolas.com

Todos los proyectos que ‘Eternals’ podría traer al cine, pese a las críticas

Con la crítica dividida a cuestas, un tibio recibimiento por parte de los fanáticos y algunas preguntas, ‘Eternals’ es el film más controversial de Marvel. Pero también, es una cantera para todo nuevo tipo de historias que parecen abarcar mucho más que lo mostrado en pantalla.

Eternals no para de dar de qué hablar. Desde su puntuación crítica, la dirección contemplativa, hasta sus variados personajes. Durante la última semana, la película se convirtió en el tema de conversación favorito de los fans de Marvel. Pero como si eso no fuera suficiente, la producción también parece ser la puerta abierta a una serie de proyectos recientes. Tal parece que la larga historia de las criaturas más longevas del Universo Cinematográfico de Marvel está lejos de acabar. 

A pesar de la opinión dividida y el tibio recibimiento del público, Eternals es un punto de discusión en el estudio. ¿El motivo?La posibilidad de que varios de sus personajes, tramas y giros argumentales se conviertan en material para la Fase 4 de Marvel. Como si eso no fuera suficiente, ya ha trascendido que varios de los actores firmaron para actuar en otros tantos proyectos. Todo parece sugerir que el curioso furor alrededor de la mitología de Marvel está en su momento más alto. 

¿Y cuáles son los futuros proyectos que la película pudiera sostener? Quizás más de lo que crees. 

La historia de ‘Eternals’ antes de la historia

En una entrevista reciente para Hollywood Reporter, los guionistas de Eternals Ryan y Kaz Firpo hablaron sobre sus intenciones de redimensionar la historia. En específico, de abrir la posibilidad de un spin-off que haría las veces de precuela de la historia que se narró en pantalla. Para el dúo de escritores, Eternals es algo más que una presentación de personajes. También es una forma de profundizar en la mitología de Marvel a varios niveles distintos. 

Una de las ideas es que en la serie precuela cada personaje podría tener un contexto individual que sostenga su historia. Una de las ideas que mencionaron los escritores fue la de Kingo (Kumail Nanjiani) en medio de la década de los ochenta. El personaje debe enfrentarse a su carrera como estrella de cine y también a los cambios políticas de la India.

Otro posible episodio imaginado fue el que podría involucrar a Thena (Angelina Jolie) en Grecia. Como se mencionó en Eternals, el personaje del Universo Cinematográfico de Marvel es el antecedente de la diosa de la guerra Atenea. La percepción daría un curioso sentido histórico a la historia.

Pero las cosas no acaban allí. También les gustaría contar una historia sobre el Celestial Arishem enfrentándose al resto de su raza. Para ambos creadores, la posibilidad entraña “increíbles metáforas de creación”. Y según su punto de vista, todo parece indicar que podría profundizarse de manera más adecuada a través de otro formato. 

Ajak, ¿de regreso?

Salma Hayek fue tendencia hace pocos días al hacerse viral un video en que contaba entre lágrimas su emoción al encarnar a líder Ajak. Eso, a pesar que el personaje tiene una participación discreta en pantalla y termina por ser asesinado antes del segundo tramo. Pues bien, puede ser que no sea las últimas noticias que tengamos sobre la poderosa cabeza visible de los Eternals. Hace poco, la actriz declaró en el podcast Smallzy’s Celebrity Small Talkque había firmado un contrato con Marvel para “varios proyectos”. 

¿Qué significa eso? Lo más probable es que Ajak pueda regresar, ya sea en forma de flashback o incluso de alguna manera misteriosa. El personaje, que se convirtió en uno de los favoritos del público durante el fin de semana, es también un hito de representatividad. Lo cual hace muy probable que encuentren una forma de hacerle volver. 

Dane Whitman, blandiendo la espada de Ébano en ‘Eternals’

omo relató la segunda escena poscréditos de Eternals, Dane Whitman (Kit Harington) está a punto de enfrentarse a su destino. Durante la pel se dejó entrever que el personaje tiene una curiosa historia familiar. La cual, por supuesto, no es otra que la del emblemático personaje Black Knight de Marvel. Con una considerable cantidad de conexiones con el universo de Marvel, Dane/Black Knight también las tiene con la Fase 4 de la franquicia. No solo ha luchado con Los Vengadores, sino que en el cómic se enfrenta a Kang el conquistador.

Como si eso no fuera suficiente, Chloe Zhao reveló esta semana que la voz misteriosa al final de la escena poscréditos, no es otra que la de Mahershala Ali. El actor, que encarnará al híbrido vampiro Blade en las próximas películas de la franquicia, es el añadido sorpresa a una escena misteriosa. Y también un indicativo claro que Dane Whitman regresará lo más probable que en compañía del antihéroe de Marvel.

Eros y una chica verde

Eternals

La más reciente adición al superpoblado universo de superhéroes de Marvel es el hermano mayor de Thanos, Eros. Interpretado de manera sorpresiva por Harry Styles, el personaje es otra de las sorpresas de Eternals. Pero además de eso, la inesperada aparición también podría formar parte de una de las series venideras de la franquicia. 

El Eterno, ha estado involucrado en la historia en papel de She Hulk, uno de los proyectos más esperados de Marvel. ¿Es su llegada a Eternals una forma práctica de presentar el argumento futuro del show? Está por verse, pero lo más probable es que sí. 

Fuente: Hipertextual.com